1927年10月28日，第一回臺灣美術展覽會隆重登場，揭開了臺灣美術史的新頁；2020年11月28日，「經典再現──臺府展現存作品特展」於國立臺灣美術館展出，連結起過去的美術時空廊道。
1927年至1943年，16年間，共舉辦臺展10回、府展6回，參展作品約有2,080件，目前已知尚存世者僅126件，國美館本次共展出其中83件，包含林玉山〈蓮池〉、郭雪湖〈南街殷賑〉、陳進〈野地〉、薛萬棟〈遊戲〉、陳澄波〈西湖斷橋殘雪〉、李梅樹〈小憩之女〉等名家名作，展現日治時期的臺灣風物、美術風格。
前文林研究員為我們簡單介紹了臺、府展相關背景，以及本次「經典再現──臺府展現存作品特展」展覽、「臺展復刻‧經典再現」圖錄出版，為何以「復刻」作為策畫理念。本篇則將聚焦於對臺、府展作品的觀察，除了畫作細節、臺展型繪畫風格如何形成，更進一步探究這批作品背後所代表的文化意涵。
「臺展三少年」與「臺展型」畫風的建立
臺、府展分為東洋畫、西洋畫兩部，初期審查員多為日人，之後加入臺籍人士（如：第六回的陳進、廖繼春）。東洋畫在第一回臺展時，因傳統的中國水墨被排除引發爭議，從此傳統中國水墨畫逐漸與臺展絕緣，而以自然環境寫生、反映現實所見、觀察正確、描寫細膩成為台展東洋畫的主流，而其中又以有「臺展三少年」之稱的林玉山（1907-2004）、郭雪湖（1908-2012）、陳進（1907-1998）等人的作品「符合寫生與反映現實的觀念」而獲審查員的青睞，屢次獲獎，他們的作品也成為其他參展者作畫的參考與仿效。
林玉山擅長描繪自然風景，列為國寶的〈蓮池〉為第四回臺展東洋畫部特選作品，日籍審查員鄉原古統稱之為「臺展典型佳作」，以寫生手法融合東方水墨及日本化畫的特色之表現，不僅是林玉山的經典之作，也影響了後來參展者的風格取向。
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圖：林玉山〈蓮池〉，第四回臺展東洋畫部，特選作品。
郭雪湖頗具大膽實驗的精神，對一草一葉、一樹一花都精細描繪，用濃豔的色彩和別緻的線條描繪物象，展現出細膩精緻的臺灣風景，同樣影響深遠，其風格又被稱為「雪湖派」。
圖：郭雪湖〈新霽〉，第五回臺展東洋畫部，臺展賞獲獎作品。
三少年中唯一的女性陳進，畫作題材多為仕女、花草等，於第六回臺展時被選為審查員。
「美術史的研究者一定直接面對（畫作），才能發現很多原作上才有的細節。」林明賢指著陳進〈野地〉這幅作品，「仔細看看，陳進是如何描繪仕女首飾的？」
圖：陳進〈野地〉，第八回臺展東洋畫部，入選作品。
翡翠鑲金的手鍊，垂著兩個心型墜子，那是當時最為時尚的款式，陳進除了描繪出它的樣式、色澤，也用濃厚的金色顏料堆疊出墜飾的質感。
「可以看到陳進其實是非常寫實的畫家。」林明賢笑著解釋。「包含仕女所穿的服裝，上面的紋樣也都是當時最為流行的。」
這些為了臺展而創作的作品，漸漸形成了所謂的「臺展型風格」，因為是有評選過程的競賽型展出，這樣的風格或多或少回應了評審的喜好，在當時的報導中，也曾出現畫作太過單一的批評。然而這些畫法、風格，尤其是東洋畫部，在1945年政權移轉、時局變遷後，遂成隱流。
1946年10月22日國民政府在臺北中山堂舉行第一屆全省美展，分為國畫、西畫、雕塑三部。而隨著省展「國畫部」的設立，其後20年間展開了正統國畫爭論，中國的傳統水墨被視為「正統」，而臺展的東洋畫則被認為是「日本畫」，政治上的避諱，使得這畫種難以延續，只在少數幾個私人畫室裡傳承下來。直到1977年東洋畫才被林之助正名為「膠彩畫」，並且在1985年於東海美術系開設了第一個膠彩畫的課程。
現代化之下的新視野：凝視鄉土、自我覺察的寫生
在一個美術教育並不發達、社會對於藝術鑑賞的意識也不是很普遍的年代，這些藝術家即便沒有到日本留學，也還願意投入創作，許多人更是年復一年地參展，支持著他們的信念是什麼呢？
「寫生」又為何會成為臺、府展作品的一大特色呢？
林明賢認為：「那是一種對於新時代、新文化的認知與學習。」如果說，從前他們所學習的水墨畫，是在既有形式底下所展現的文人雅趣，透過臺、府展，這些畫家們開始接觸西方現代美術，透過美學與技法的學習，這些畫家接觸了「現代化」，而後重新回頭來看自己生活的土地、人群，從而形成特有的、全新的「視覺觀」。
圖：郭雪湖〈寂境〉，第七回臺展東洋畫部，入選作品。
畫家從具體人物、特定物件的描繪，轉移到對自然、鄉土的關注，這個視角轉換的意義，遠大於「日治時期臺灣地方色彩」的刻板印象，而是以新的眼光來看待自己的土地。正如郭雪湖每到了一個新的地方，就會有新的表現手法；西洋畫部的李梅樹，畫作題材也由室內人物、靜物繪畫，逐漸轉移到戶外寫生，記錄著這塊土地上的生活。
圖：李梅樹〈小憩之女〉，第九回臺展西洋畫部，特選作品。
圖：李梅樹〈觀日〉，第五回府展西洋畫部，推薦作品。
相較於1970-80年代的鄉土文學論戰，臺灣美術早在臺、府展時期，便已展現出了高度的本土意識，透過畫家的雙眼，加上對環境的敏感、高度的自覺，一筆一筆地描繪著、記錄著、反思著。
家族記憶的探尋、美術歷史的見證
圖：林明賢研究員解說。
這一次的展覽，因為疫情的關係，致使一些典藏在國外的作品無法借展，算是美中不足。而典藏在國內的作品，借展時也並不是一帆風順，有的作品經過繼承，所有權分散在多人手中；有的作品隨著畫家、原藏家逝世而行蹤成謎，也曾遭遇藏家臨時反悔、不願出借的情形。林明賢表示：「每一個展覽，都需要一點機緣來促成。」
在展覽開幕之後，陸陸續續收到了民眾的回饋；有畫家家屬、友人因為看到圖錄，進而參與了挖掘臺灣美術史的過程，包含提供館方之前未曾注意到的文獻資料、相似作品、遺失作品的線索等等，都是非常珍貴的資料。
也有家屬在與館方溝通、接洽的過程中，重新了解、認識了先人的故事。過去畫家並不被視為一種職業，家人往往以為他們只是「愛畫畫的」老師、學者，或者其他職業的從業者：
「『原本只知道爺爺很喜歡畫畫，』」林明賢轉述參展畫家家屬之言，「『沒想到曾經參與過這段歷史。』」
這次的展覽，不僅開啟了許多人對於家族記憶的探尋、溯源，同時也提供了研究者觀看原畫的機會。關注臺灣美術發展的人士，長期以來都以一己之力探尋、研究，難得可以一次看到那麼多好作品。
「有些參觀者會重複來訪、做研究紀錄，或是專門觀察同一位畫家作品風格的轉變。」林明賢說：「也曾遇到參觀者告訴我，覺得三小時、一個早上太過短暫，看不完這些作品。」
被問及是否有個人最喜歡的作品，林明賢笑著表示：「每件都很好。」每一幅畫，都承載了一個時代、一位作者的故事。當我們站在作品之前、面對歷史，就可以用最直接的美學感官，真切地感受到蘊藏其中生命的力量。
臺府展特展舉辦時間為109年11月28日至110年4月11日，希望能「拋磚引玉」，並透過復刻圖錄的傳播，以及畫作、觀者在展場的匯聚，試著開啟更多對話的可能。
圖：國美館展場一隅，陳澄波手稿、草圖展示，並試圖重現當時畫家的畫室建築樣貌。
圖：特展現場供民眾翻閱的臺、府展圖錄復刻本。
圖：臺府展圖錄復刻本，攝於秀威資訊出版社。
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